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あの有名なゴッホの『ひまわり』は実は7作品ある？！実は日本でも観賞できる世界的名作

『ひまわり』の絵は、誰もが一度はどこかで見たことがあるのではないでしょうか。 美術館だけではなく、教科書やポスターなどさまざまな場所に掲載されているため、描いた人物を知らなくても絵だけは見たことがある人も多いでしょう。この『ひまわり』を描いたのは、ポスト印象派の画家として知られているフィンセント・ファン・ゴッホ。ゴッホの『ひまわり』はあまりに有名な絵画の１つですが、実は7作品もあることを知らない人も多いのでは？ この記事では、そんな『ひまわり』について掘り下げてご紹介していきます。 ゴッホが描いた『ひまわり』は7つある？ ゴッホが描いた花瓶に活けられたひまわりの絵画は、実は一つだけではありません。 『ひまわり』シリーズは7つ制作されており、現代においてアルルのひまわりと呼ばれています。このシリーズは、1888年に制作され、ゴッホがアルルに構えたアトリエ「黄色い家」に飾るために描かれたといわれています。  ゴッホは、弟のテオに宛てた手紙に、ゴーギャンとともに制作活動に打ち込むアルルのアトリエにひまわりの絵を飾ろうと思っていることを記していました。 これまでの作品と比べるとサイズの大きなキャンバスに描かれており、花瓶から溢れんばかりに咲き誇るひまわりは、ゴッホが南フランスの地で見つけたアルルという太陽の輝きを表現しているようでした。   1枚目：明るい色彩が特徴のひまわり 1枚目に描かれた『ひまわり』は、背景が鮮やかなターコイズブルーで、花自体も明るい黄色で描かれており、明るく生き生きとした印象のある作品です。 ゴーギャンと共同生活を送った黄色い家の壁も水色であり、どちらもゴッホのわくわくした気持ちを表現しているかのように感じられます。 また、ひまわりの鮮やかな黄色にあわせて茶色の机が描かれており、ターコイズブルーのさわやかな背景や花瓶の鮮やかな黄緑色、ひまわりの生き生きとした黄色などの色彩が引き立っています。 2枚目：戦火により焼失してしまったひまわり 2枚目の『ひまわり』は、1919年に日本人実業家の山本顧彌太が7万フラン（現在の価格では約2億円）の高値で購入した作品です。 山本は、白樺派と呼ばれる文学グループのパトロンをしており、白樺派美術館を建設するために購入したといわれています。 購入後は、日本国内の展覧会で何度も展示が行われました。 しかし、白樺派美術館の話は頓挫してしまい、『ひまわり』は購入者である山本の住む神戸の邸宅に飾られていましたが、1945年の第二次世界大戦の米軍空襲によって焼失してしまったのです。 当時、ほかにも飾られていた画家の作品は避難できましたが、『ひまわり』は壁に固定して飾ってあったために移動させられなかったといわれています。 3枚目：12本のひまわりが描かれている 12本のひまわりが描かれている3枚目は、多くの人がイメージしている『ひまわり』の作品ではないでしょうか。 ミュンヘン版ともいわれており、花の数が多く豪華な作品として知られています。 また、印象派から影響を受けていたゴッホは、筆のタッチを大胆に残すスタイルで絵画を描いており、この『ひまわり』からは、そのスタイルがより顕著にみられるのも特徴です。 1枚目の『ひまわり』では、机を現実の木材の色に寄せて茶色で描いていましたが、3枚目では、机と花びらがよく似た黄色で描かれています。 花と机の色を同系色でまとめることで、種部分の深い赤茶色の色彩がより引き立っています。 4枚目：ゴーギャンが絶賛したひまわり 4枚目の『ひまわり』は、ロンドン版とも呼ばれており、世界中で最も有名な作品といわれています。 短いながらもゴッホと共同生活を送ったポスト印象派画家のゴーギャンも、この4枚目の『ひまわり』を絶賛しました。 3枚目と同じように同系色でまとめられており、より繊細な色彩の使い方や絵の具の塗り方により厚みや遠近感を表現し、ひまわりの存在感が増している作品です。 完成度の高さから、現代でも最も質の高い作品と評価されています。 教科書やポスターなどで使われているゴッホの『ひまわり』のほとんどは、この4枚目の作品ではないでしょうか。   本来、ゴッホは12枚のひまわりの絵を制作する予定でしたが、4枚目を描いていることに花が咲く時期がすぎてしまい、実際のひまわりを見て描いたのは4枚目までで、それ以降の3作品は自分が描いた絵画を模写したといわれています。 5枚目：ゴッホ自身が複製模写したひまわり 5枚目の『ひまわり』は、4枚目の作品を自ら複製模写して描かれたといわれています。 ミュンヘン版とも呼ばれており、1本1本の花の形や配置を比べてみるとほとんど同じであるとわかるでしょう。 しかし、色合いに若干の違いがみられ、種や花瓶の輪郭線の色がより鮮やかな赤色で描かれており、マイナーチェンジしていることがうかがえます。 模写してまで『ひまわり』をいくつも制作していたのは、ゴーギャンと共同生活を送るアルルの黄色い家の壁を飾りたい一心であったといえるでしょう。 6枚目：耳きり事件後に描かれたひまわり 6枚目の『ひまわり』は、アムステルダム版とも呼ばれており、ロンドン版の模写であるこの作品は、背景やひまわりの種部分がより鮮やかになっているとわかります。 6枚目は、ゴッホが自らの耳を切断した「耳切り事件」の後、病院を退院してから描かれたといわれています。 7枚目：日本に所蔵されているひまわり 7枚目の『ひまわり』は、1987年、53億という高額で日本の生命保険会社が購入し、現在は、SOMPO美術館に所蔵・展示されています。 『ひまわり』を展示するようになったSOMPO美術館の年間入場者数は、前年の8倍ほどにまで伸び、日本人のゴッホブームの火付け役となったといわれています。 ゴッホの描く作品は、深い知識に基づいて鑑賞しながら作品の意味を追求するという楽しみ方だけではなく、単にキャンバスに描かれているモチーフの魅力を味わえることも特徴の一つでした。 それゆえ、多くの人から人気を集めたといえるでしょう。 ゴッホはアルルの黄色い家を飾るためにひまわりを描いた ゴッホは、南フランスのアルルに移り住んだ後、周辺地域の明るい雰囲気を気に入り、『黄色い家』と呼ばれていた借家を共同のアトリエとして利用し、パリでともに作品を制作していた画家たちと制作活動を行おうと考えていました。 弟テオを通して、交流のあった何人かの画家に手紙を送りますが、なかなかアトリエで共同生活を送ってくれる人は現れず、結局返事をくれたのはゴーギャンだけでした。ゴッホは、思い込みの激しい性格をしており、さらにはストーカー気質があったともいわれており、多くの画家が一緒に生活することに対して尻込みしてしまったと考えられます。その中で、ゴーギャンは、ゴッホの弟テオから金銭的援助を含めて説得され、承諾してくれたのでした。   1888年、ゴッホはゴーギャンとともに黄色い家で共同生活をスタートさせます。 複数の『ひまわり』は、共同生活を送るゴーギャンを歓迎するために制作されたものでした。『ひまわり』をアトリエのインテリアとして利用しようと考えていたゴッホは、複数のひまわり作品を制作します。ひまわりは、ユートピアの象徴であり、共同生活への希望を胸に描き始められたと考えられます。しかし、ゴーギャンとは方向性の違いにより喧嘩を繰り返し、ついに2か月ほどで憧れだった共同生活は終了してしまうのでした。   なお、アルルでの共同生活は、日本に対する間違ったイメージにより構想が練られました。ゴッホは、浮世絵の印象から日本は光があふれている南国であると思い込み、日本の画家たちは、共同生活を送ってお互いに絵を贈りあっていると勘違いをしたのです。 このイメージを胸に、ゴッホは南フランスのアルルに出向き、ゴッホが思い描く日本の画家たちのように共同生活を送れるアトリエを構えたのでした。   パリ時代に描いた『ひまわり』もある ゴッホの『ひまわり』というと花瓶に入った構図が特徴的ですが、パリに住んでいた1886年から1887年の間に描かれたひまわりもあります。 アルル時代に描かれた『ひまわり』とは異なり、地面の上に寂しげに置かれている様子を描いているのが特徴的です。また、ゴッホはこれ以前にも、ほかの花と一緒に静物画の中にひまわりを描いています。 パリのひまわりの存在は、1889年のゴーギャンとの手紙のやり取りによって発覚し、それまでは存在を知られていませんでした。 パリの『ひまわり』は、キャンバスの中に花弁がしっかり収まる構図で描かれており、色彩は全体的に暗く、初期のゴッホ作品に多く見られる重々しい雰囲気が伝わってくるようです。 パリ時代のひまわりは、習作として制作されたものであり、観察をきっちり行いモチーフに忠実に描かれているのが特徴です。

ロートレックの代表作 『エルドラド、アリスティド・ブリュアン、彼のキャバレにて』は日本美術の影響を受けている！？

堂々とした佇まいで、貫禄のある姿が印象的な『エルドラド、アリスティド・ブリュアン、彼のキャバレにて』。 舞台の宣伝ポスターを多く手がけていたアンリ・ド・トゥールーズ＝ロートレックが制作したこの作品には、日本美術に影響を受けているであろう点がいくつも見受けられます。 また、ロートレックの作風や特徴からも、日本美術とくに浮世絵に強い関心を寄せていたことがわかります。 ロートレックの代表作『エルドラド、アリスティド・ブリュアン、彼のキャバレにて』を通して、彼が日本美術からどのような影響を受けていたのかをみていきましょう。 パリ・モンマルトルをポスターで彩ったアンリ・ド・トゥールーズ＝ロートレック アンリ・ド・トゥールーズ＝ロートレックは、19世紀後半のパリで人気を博したポスター画家です。 パリの夜を彩るモンマルトルの街で働く人々や生きる人々をモチーフにした作品を多く制作しており、中でも人気キャバレ「ムーラン・ルージュ」のポスターを制作したことで、多くの人々にロートレックの名が知れ渡りました。 ロートレックの代表作である『エルドラド、アリスティド・ブリュアン、彼のキャバレにて』は、19世紀末に活躍したシャンソン歌手アリスティド・ブリュアンが舞台『エルドラド』に出演する際にロートレックへ制作を依頼したポスターです。   日本美術の影響が垣間見える『エルドラド、アリスティド・ブリュアン、彼のキャバレにて』とは 作品名：エルドラド、アリスティド・ブリュアン、彼のキャバレにて 作者：アンリ・ド・トゥールーズ＝ロートレック 制作年：1892年 技法・材質：リトグラフ 寸法：138.0×96.0cm 所蔵：フィロス・コレクション   『エルドラド、アリスティド・ブリュアン、彼のキャバレにて』は、シャンソン歌手アリスティド・ブリュアンの舞台『エルドラド』に関連したポスター作品です。 オレンジや赤、黄色、青などの原色が鮮やかに発色しているのが印象的。当時の人気シャンソン歌手であったブリュアンの堂々とした姿とたたずまいが目を引きます。 平面的な描写ではありますが、圧倒的な存在感のある構図で、日本美術の浮世絵を思わせる面もあります。 日本の浮世絵作品から影響を受けているポスター 『エルドラド、アリスティド・ブリュアン、彼のキャバレにて』は、日本の浮世絵からもインスピレーションを受けているといわれています。 この作品のブリュアンの表情をよくみてみましょう。曲がった口元や通常よりも誇張された表情などが、日本の浮世絵師「写楽」が描く歌舞伎役者のようにも見えます。 また、ロートレック作品ならではの特徴は、モデルとなる人物を美化させすぎない点です。 特徴を強調するとともに、ときにはユーモアも交えた独特の表現方法は、ほかにはない個性を感じられ、多くの人々を魅了していたともいえるでしょう。この美化せず特徴を誇張する表現方法は、浮世絵師「写楽」にもみられる特徴です。 ロートレックは、舞台で活躍する人々のポスターを制作しており、浮世絵も舞台で活躍する歌舞伎役者を描いた作品であることから、日本の浮世絵に憧れ、パリでは当時商業絵画として人気の低かったポスター作品を制作するようになったのでは、とも想像できますね。 また、ロートレックはパリ・モンマルトルで働く娼婦も描いており、浮世では写楽や歌川豊国などが吉原の絵を描いています。 ロートレックと日本の浮世絵には、多くの共通点があるように思えてきます。   ポスターに描かれている「アリスティド・ブリュアン」とは アリスティド・ブリュアンは、フランスで人気を集めていたシャンソン歌手で、ロートレックはこの作品以外にも、彼のポスターを制作しています。 もともと歌手を志していたわけではなく、鉄道員から歌手に転身した変わった人物です。歌は自分で作っており、もともと顔見知りで合ったロートレックは、ブリュアンの楽譜シートのためにデザインをしたこともあったそうです。 ロートレックがポスター画家として活躍を見せ始めたころ、ブリュアンも自分のポスターを制作してほしいと考え、制作を依頼。 それがヒットし、その後いくつもブリュアンをモデルにしたポスターを制作することになったのでした。   日本の浮世絵をパリに溶け込ませたロートレック作品 今回ご紹介した『エルドラド、アリスティド・ブリュアン、彼のキャバレにて』をはじめとした数々のポスター作品は、当時のパリ・モンマルトルの賑わいを肌で感じさせてくれるものばかりです。 ロートレックが描いた当時多くの人々でにぎわっていたパリ・モンマルトルの魅力を引き立たせているポスターたちをみると、パリ・モンマルトルを訪れたくなりますね。 ロートレックが描くパリ・モンマルトルの賑わいと輝きを、ぜひ一度間近で楽しんでみてください。

形而上絵画で有名なジョルジョ・デ・キリコの『予言者』の魅力を解説！

表情がなく無機質で不安な感情を抱かせるマヌカンをモチーフにした『予言者』。 その不穏な空気感がクセになり、何度も作品を鑑賞したくなってしまう人もいることでしょう。 パリで活躍した形而上絵画の生みの親ジョルジョ・デ・キリコが描いた『予言者』は、どんな作品であるか、作品の特徴や影響を受けた人物や芸術にも目を向けてみていきましょう。 形而上絵画を創始したジョルジョ・デ・キリコ デ・キリコは、形而上絵画を創始し、1910年代ごろパリで人気を博した画家。 のちのシュルレアリスムにも大きな影響を与えたといわれ、また、1919年以降は、古典主義に関心を寄せ、新古典主義や新バロック形式の作品も多く制作しています。 そんなデ・キリコの代表作でもある『予言者』は、デ・キリコがよく描いているマヌカン（マネキン）をモチーフにした形而上絵画です。 表情がなく無機質な人形が絵画の中にたたずんでいる様子は、見る者に不安を感じさせます。   デ・キリコ展のポスターやフォトスポットにもなっている『予言者』とは 作品名：『予言者』 作者：ジョルジョ・デ・キリコ 制作年：1914-1915年 技法・材質：油彩・キャンバス 寸法：89.6×70.1cm 所蔵：ニューヨーク近代美術館 『予言者』では、画面の左にマヌカン、右にイーゼルが大きく描かれメインとなり、背景の中央には神殿のようなものが描かれています。 画面の下から神殿に向かって、まっすぐな木の床板が伸びており、視線が自然と後方の神殿に向かう構図になっているのが特徴です。床の延長線上に神殿があるのか、その先の別の空間にあるのかわからない奥行きのズレが、違和感のある遠近感を生み出しています。 マヌカンの隣にイーゼルが立てられていることから、このマヌカンは画家であるかもしれないと見る者に想像させます。 イーゼルに置かれた黒板のようなキャンバスには、線遠近法で描かれた建物の中に「TORINO」の文字が読み取れます。トリノは、デ・キリコが影響を受けたとするニーチェが精神錯乱に陥った地でもあるため、哲学者ニーチェとのつながりも感じられるでしょう。 黒板の中には、彫刻のようなモチーフの輪郭も描かれており、イーゼルの後方には彫像のような影が描かれています。 影だけを描くことで不在が強調され、横から影を差し込むことで緊張感を生み、不穏な空気感を演出しています。   見る者に違和感や不安を覚えさせる形而上絵画とマヌカン デ・キリコが描く意味や関係性が不明確で、つながりを感じられない表現方法は、ショーペンハウアーやニーチェの哲学を反映させたものといわれています。 デ・キリコ自ら形而上絵画と呼ぶようになったこの手法。『予言者』にもあるように、日常の中に非日常が紛れ込んでいたり、日常の先を見ていたりするような感覚になる不穏さが、キリコ作品の魅力でもあり、高い評価を受けています。 特にデ・キリコは、デペイズマンと呼ばれるモチーフを本来あるべき場所とは別の空間に置く手法をよく用いていました。 この手法は、のちのシュルレアリスムの画家たちにも大きな影響をおよぼしました。 また『予言者』で描かれているマヌカンとは、デ・キリコが繰り返し描いているモチーフの一つで、マネキンを表現しています。 マネキンには、表情や感情がなく、性別や個性を示す特徴もそぎ落とされており、見る者によってさまざまな想像ができるモチーフといえます。 また、西洋絵画では古くから人物の描写を重要視しており、デ・キリコはその人物の顔を描かずマネキンに置き換えることで、西洋絵画の伝統を破壊しようとしたとも捉えられるでしょう。   『予言者』の画法は、初期ルネサンス絵画の建築表現から影響を受けている 代表作『予言者』は、初期ルネサンス絵画のぎこちなさのある建築表現から影響を受けているとも考えられています。 1919年ごろから、古典的なルネサンス絵画やバロック絵画に影響を受けた作品を多く描くようになったこともあり、『予言者』が描かれた1914-1915年ごろも、少しずつルネサンスに関心を寄せていたのかもしれません。   不穏で違和感のある不思議な感覚を体験できるデ・キリコ作品 今回ご紹介した代表作『予言者』をはじめとした多くのデ・キリコ作品は、これまでの絵画鑑賞では得られなかった感情を与えてくれるものといえるでしょう。 デ・キリコの魅力は、前衛芸術から始まった作品が一度古典に回帰し、ルネサンスやバロックに影響を受けた作品を描きつつも、最終的には新形而上絵画に戻り、独特の世界観を楽しませてくれるところです。 不思議で心をざわつかせてくれるデ・キリコの作品のすばらしさを、ぜひ一度間近で感じてみてください。